ARQUITECTOS EXPUESTOS EN CLASE

CAMILO SITT (1843-1903)

Camillo Sitte (Viena, 17 de abril de 1843 – 16 de noviembre de 1903) fue un arquitecto austriaco, conocido por sus aportaciones teóricas al urbanismo.

Sitte viajó por Europa tratando de identificar los aspectos que hacían acogedoras a las ciudades, y en 1889 publicó el libro que le haría famoso: Der Städtebau nach seinen künstlerischen Grundsätzen (Construcción de ciudades según principios artísticos).

Fue director de la Escuela de Arte industrial de Viena, y participó en varios proyectos urbanísticos, destacando la ampliación de Lubin y de Marienberg (Silesia)

Vida y obra

Después de graduarse del Piaristengymnasium en Viena del 1864 al 1869, ingresó a la Universidad Técnica de Viena y a la par tomó cursos de arqueología, anatomía e historia del arte. En sus viajes llegó a visitar, entre otros países, a Italia, Grecia, Francia y Egipto. Sus viajes fueron continuos entre 1871 y 1873 porque su padre, el arquitecto vienés Franz Sitte, fue constantemente contratado. A su padre lo conocían como arquitecto del historicismo. En 1875 llegó a ser director de la Escuela de Comercio del Estado de Salzburgo. Desde 1883 fue profesor en la Escuela de Comercio de Viena y se convirtió en su director en 1899. Como urbanista, desarrolló planes maestros para las ciudades pequeñas y medianas o fue un miembro del jurado y crítico de proyectos urbanos construidos. Camillo Sitte dedicó su vida a la teoría cultural, en cuestiones de filosofía, arte, ciencia y política. En más de 150 publicaciones, se dedicó a una amplia gama de cuestiones culturales. Entre otros, trabajó en la revista austríaca El Arquitecto. Murió en 1903, de un derrame cerebral.

«Construcción de ciudades según principios artísticos»

Este ensayo, profusamente ilustrado, tuvo una gran acogida en su tiempo, siendo reeditado cinco veces entre 1889 y 1922. Fue traducido al francés en 1902, al español en 1926 y al inglés en 1945. En español también recibió el título de «El arte de construir las ciudades».

En el libro el autor insta a construir las ciudades sobre una trama irregular salpicada de espacios abiertos en forma de plazas, critica el urbanismo de la época por su excesiva focalización sobre la planta en detrimiento de la dimensión vertical de las ciudades, y critica también la rigidez y la esterilidad del urbanismo racionalista frente a la riqueza formal y espacial de los diseños antiguos. Así, renuncia a los principios de ortogonalidad y simetría y defiende en cambio los espacios irregulares y la participación de la naturaleza en el diseño de la ciudad.

El análisis de Sitte es puramente formal o estético, sin pararse a analizar las circunstancias históricas que lo han producido, aunque advierte el antagonismo entre lo pragmático (esencialmente los problemas de tráfico) y lo pintoresco, tomando partido a favor de lo segundo.

Legado

El libro de Sitte tuvo gran influencia en los debates y planes para el diseño urbano en torno a 1900. Entre los planificadores y arquitectos que recibieron propuestas personalizadas fueron los expertos alemanes en planificación urbana Franz Ewerbeck, Theodor Goecke, Karl Gruber, Karl Henrici, Eduard Kreyssig, Robert Schmidt, Paul Schmitthenner, Alfred von Scholtz, Joseph Stubben y Heinz Wetzel. Los estudiantes de arquitectura más famosos de Sitte fueron el austríaco Joseph Maria Olbrich. El arquitecto paisajista alemán Leberecht Migge tomó referencias de paisaje y la planificación del espacio abierto de Sitte. De igual manera, también influyó a Raymond Unwin, el arquitecto inglés de la ciudad jardín de Letchworth (1903) y su libro Urbanismo en la práctica (1909). En los Países Bajos, fueron Hendrik Petrus Berlage y Marinus Jan Granpré Molière. En Suecia, el urbanista Anders Nilsson; Suiza, Hans Martí. En 1923, el arquitecto austriaco Leopold Bauer escribió: El libro de Sitte «parecía una carga inicial en una mina preparada; el éxito fue tremendo». Por todas partes el tema fue discutido por críticos, como el arquitecto franco-suizo Le Corbusier, quien criticó su afición por lo irregular llamándolo defensor de la «ruta de burro». Se le acusó de estar enfocado unilateralmente en cuestiones estéticas del diseño urbano, sin tiener en cuenta la complejidad de la ciudad moderna, omitiendo en su «pequeño pensamiento espacial», las cuestiones vinculadas con las presiones de desarrollo y la necesidad de espacio de las ciudades en crecimiento. El historiador del arte alemán y profesor Albert Erich Brinckmann criticó las ideas de Sitte sobre planificación urbana como idealistas.

En 1941, los planificadores alemanes y profesores universitarios Fritz Schumacher de capítulo de un libro de Sitte, los límites del arte en las instalaciones de la ciudad moderna en su libro de lectura para los constructores. Sin embargo, para iniciar notado Schumacher: «a medida (…) ve la Artístico-todavía en gran medida, pintoresco ‘; Este punto de vista es sólo muy gradualmente superado «. En 1977, el crítico de arquitectura Wolfgang Pehnt: Camillo Sitte, urbano conforme a sus principios artísticos de 1889 se vuelve a leer». En 1985, escribió el historiador del arte Hanno-Walter Kruft: el libro de Sitte «es la teoría de la moderna básica urbana y en la actualidad ha obtenido nueva relevancia después de que las teorías funcionalistas de planificación urbana de la primera mitad del siglo 20 se han vuelto obsoletas». A Renaissance aprendió Sitte arquitectura urbana, en particular en los diseños y publicaciones de la posmodernidad arquitectos y urbanistas Luxemburgo León y Rob Krier.

OPINION:

Un arquitecto europeo de los primeros que entrarian en el movimiento contemporaneo nacido en viena y el cual fue reconocido por sus grandes aportaciones al urbanismo aparte de tener conocimientos en arquitectura, tenia conocimientos en arqueologia anatomia e historia del arte y una gran influencia de su padre que tambien fue arquitecto el señor Franz sitte.Logro desarrollar planes realmente maestros para ciudades de talla pequeña y medianas, me parece excepcional el conocimiento que adquirio en cuanto a filosofia, ciencia,arte e incluso politica , fue un arquitecto que se baaba mucho en lo estetico dando partida a una arquitectura funcional pero con una belleza peculiar.Dejo un gran legado en los debates para el diseño urbano de principios del siglo XX y fue influencia para para otros arq. que seguirian sus pasos y conocimientos que el habia heredado, fue una persona demasiado culta y muy respetable en el hambito arquitectonico.

Ebenezer Howard (1850 – 1928)

Fue un urbanista británico conocido por ser fundador del movimiento urbanístico de la Ciudad Jardín.Durante 1800 se da un gran desarrollo de las ciudades, esto atrae a la población del campo y produce un aumento demográfico en las zonas urbanas y un drenaje en las zonas rurales; la consecuencia se refleja en las carentes condiciones de las calles, de las viviendas y del trabajo, debido a la poca infraestructura que se tenía para la descarga poblacional que se recibió a causa de la industrialización. Todos los atractivos de la ciudad ya mencionados, provocaron que las actividades agrícolas disminuyeran, por lo cual el campo fue abandonado y la ciudad sobre poblada. Al ser cada vez más notorias las situaciones de inadecuada salubridad, arquitectos, sociólogos e higienistas se dieron cuenta de la necesidad del contacto con la naturaleza para alivianar las deplorables condiciones que se estaban propiciando en las nuevas ciudades en desarrollo. Howard viajó a Estados Unidos de América desde Inglaterra a la edad de 21 años y se estableció en Nebraska. Más tarde, se mudó a Chicago y trabajó como reportero por un tiempo. Durante su estancia en Estados Unidos, se relacionó con algunos poetas, entre ellos se encuentran Walt Whitman y Ralph Waldo Emerson. Todo esto ejerció una base para que Howard comenzara a pensar acerca de métodos para mejorar la calidad de vida. En 1876 vuelve a Inglaterra, donde se establecerá para el resto de su vida trabajando en la oficina de periodistas oficiales del Parlamento Inglés, donde se dedicará a registrar los debates, discursos y comisiones. Howard se instruyó en profundidad y libros como la novela utópica Looking Backward del novelista Edward Bellamy además de otros libros de temática social forjaron las bases de su pensamiento. Como resultado de sus investigaciones, publicó en 1902 su libro “Ciudades Jardín del Mañana” su conocido tratado de urbanismo que dio origen a un nuevo modelo urbanístico llamado ciudad-jardín. Ebenezer Howard propuso el modelo de la ciudad jardín como reacción a estas condiciones, retomando las ideas del preurbanismo culturalista: «unidad orgánica de la ciudad», y promoviendo una ciudad autosuficiente, en contacto directo con la naturaleza y de una sociedad cooperativa, ideas perdidas por los procesos de industrialización. Esta tesis fue materializada por los también ingleses Raymond Unwin y Barry Parke

OPINION:

Fue un arquitecto conocido por ser fundador del movimiento urbanistico ya que hizo un aumento demografico en zonas urbanas y un drenaje en muchas zonas rurales, la consecuencia se refleja en las carentes condiciones de las calles de viviendas de trabajo, debido a la poca infraestructura que se recibio a causa de la industrializacion. Todos estos atractivos hicieron que las actividades agricolas disminuyeran y asi la ciudad fuera sobrepoblada y asi sociologos e higenistas arquitectos se dieron cuenta de la necesidad del contacto con la naturaleza, Howard se instalo en Nebraska de ahi se mudo a chicago relacionandose con algunos reporteros y poetas y asi estableciendose por ultimo en la misma Inglaterra donde permanecio por el resto de su vida ahi mismo dio vida a su libro que lo llamo ciudades jardin.

Adolf Loos (1870-1933)

(Arquitecto, Critico cultural y Dandi) 1870. Hijo del cantero Adolf Loos Senior. Nace el 10 diciembre en Brunn, Viena. 1887-88. Loos asiste a la escuela de Artes y Oficios (Rama de Arquitectura). En Reichenberg, Bohemia. 1890-93. Loos estudia en la Escuela Politécnica de Dresde, sin lograr el titulo. 1893-96. Loos embarca para visitar la exposición Universal de Chicago y permanece tres años en EE.UU. 1896. Empieza a trabajar en Viena como arquitecto. Colabora en la empresa del arquitecto Carl Mayreder. 1897-1929. Durante estos años escribe numerosos artículos que aparece principalmente en el Diario Neue Freie Presse. (Nueva Prensa libre), publicándose mas tarde como un libro. 1902. Se casa con su primera mujer Lina Obertimpfler. 1905: Se divorcia de Lina Loos. Bessie Bruce es la nueva compañera sentimental de Adolf Loos. 1908: Presentación de su famoso escrito “Ornamento y Delito” Publicado por primera vez en 1913. 1912: Fundación de una Escuela Privada de Arquitectura, que se cerró en el 1914 debido al inicio de la guerra. 1921-24: Es nombrado arquitecto jefe del Departamento de Urbanismo del Ayuntamiento de Viena. 1922: Concurso de Arquitectura para el Edificio Chicago Tribune. 1928: Invitación al Primer Congreso Internacional de Arquitectura Moderna (CIAM) en La Sarraz. 1929: Loos se casa con su tercera mujer Claire Beck. 1933: Muere el 23 de Agosto en el sanatario del Dr. Schwarzmann en Karlsburg Cerca de Viena. CARACTERÍSTICAS GENERALES. Utilizadas por Adolf Loos. La mayoría de las viviendas de Loos queda definidas por tres conceptos arquitectónicos: Raumplan o Arquitectura de la Planta Espacial: es la distribución de las habitaciones con diferentes alturas dependiendo de sus funciones, este método ahorra más dinero y espacio. Teoría del Aterrazamiento: Consiste en la posibilidad de acceder desde cada dormitorio a la terraza, como símbolo de libertad personal. Teoría del Revestimiento: Se basa en la utilización de materiales para desligar las funciones espaciales. Otras de las características de Loos: Ausencia de Ornamento en el exterior. Fachadas discretas, mínimas y casi austeras. Los interiores opulentos, creadores de atmosferas y realizados con materiales valiosos. Materiales Predominantes: Mármol (negro blanco, amarillo, rojo, verde, veteado), madera (caoba, roble, cerezo) latón, mosaicos dorados, cristal y ladrillo.

Fuente: http://www.arqhys.com/articulos/loos-adolf.html

OPINION:

Otro arquitecto vienés iniciado en una escuela de arte y oficios llego a estados unidos y permanecio ahi durante 3 años.Sin embargo fue en viena donde comenzo a desarrollarese como arquitecto, tambien escribio varias obras y articulos enfocados principalmente en ambitos arquitectonicos. La mayoria de sus viviendas estaban definidas por tres conceptos: Raumplan o Arquitectura de la Planta Espacial: es la distribución de las habitaciones con diferentes alturas dependiendo de sus funciones, este método ahorra más dinero y espacio. Teoría del Aterrazamiento: Consiste en la posibilidad de acceder desde cada dormitorio a la terraza, como símbolo de libertad personal. Teoría del Revestimiento: Se basa en la utilización de materiales para desligar las funciones espaciales.Su pensamientos eran similares a lo que hoy en dia es el minimalismo aunque siempre realizaba interiores opulentos y con materiales costosos.

TONY GARNIER (1869-1948)

Arquitecto francés, autor de un importante proyecto de urbanismo social conocido como la Ciudad Industrial. Nació en Lyon, ciudad en la que realizó lo más destacado de su obra. Ingresó en la Escuela de Bellas Artes de su ciudad natal en 1886 y en la de París en 1890. Evolucionó en los círculos socialistas, junto a Jean Jaurés y Émile Zola. Premio de Roma en 1899, vivió cuatro años en la villa Medici, donde comenzó a trabajar en el proyecto para la Ciudad Industrial. En 1901, presentó el plan general de un gigantesco proyecto urbanístico y social, en la línea de las utopías de Fourier. Publicó este trabajo en 1917 bajo el título Una ciudad industrial. Para ella ideó respuestas a las necesidades de vivienda, de trabajo, de producción de energía, de transporte, de estudios y de ocio, utilizando materiales modernos (hormigón armado, metal, vidrio). Marcado por su formación, el estilo de Garnier conservó ciertas referencias a la antigüedad clásica y un profundo sentido de la monumentalidad. La luz, la vegetación, la ventilación y la higiene fueron para Tony Garnier los fundamentos del urbanismo moderno. Contempló soluciones nuevas como las circulaciones separadas, el plano libre, el tejado-terraza, los muros de vidrio y los pilotis, que Le Corbusier tomó prestados. Este último publicó extractos de su obra en El espíritu nuevo y en Hacia una arquitectura. Los CIAM (Congreso Internacional de Arquitectura Moderna) y la Carta de Atenas reivindicaron esta herencia. Con el apoyo del alcalde socialista Édouard Herriot, realizó en Lyon importantes edificios, directamente inspirados en su Ciudad Industrial, como el matadero de la Mouche, para el que ideó una gran nave de estructura metálica (hoy lonja Tony Garnier), y el estadio olímpico (1913-1916). Entre 1915 y 1935 construyó el hospital de Grange-Blanche (hoy Édouard Herriot), constituido por 22 pabellones y un conjunto de viviendas que componen el barrio de los Estados Unidos, en Villeurbanne. Para el edificio del Ayuntamiento de Boulogne-Billancourt, construido entre 1931 y 1934, diseñó así mismo el mobiliario y la decoración.

OPINION:

Este arquitecto frances mayormente conocido por su urbanismo social reconocido como la ciudad industrial.Su principal aportacion fue mayormente en el punto del urbanismo ya que incluso se interesaba en la vegetacion, en la ventilacion y la higiene siendo estos los fundamentos principales para asi trascender en el urbanismo moderno influyo en cierta parte en los diseños que posteriormente Le Corbusier haria, como las circulaciones separadas, el plano libre el tejado, las terrazas y los muros de vidrio.Entre 1915 y 1935 construyó el hospital de Grange-Blanche (hoy Édouard Herriot), constituido por 22 pabellones y un conjunto de viviendas que componen el barrio de los Estados Unidos, en Villeurbanne. Para el edificio del Ayuntamiento de Boulogne-Billancourt, construido entre 1931 y 1934, diseñó así mismo el mobiliario y la decoración.

BRUNO TAUT (1880-1938)

Arquitecto alemán nacido en Königsberg. Estudió en la Baugwerksschule de Königsberg hasta el año 1901. Durante su etapa final de estudiante trabajo en el estudio del célebre Bruno Möhring en Berlín, también colaboró en estudios de otros arquitectos como Fabry o Theodor Fischer. En 1908 realizó su primera obra en la ciudad de Wetter y en agosto de 1909 abre su propio estudio de arquitectura con Frank Hoffman; al poco tiempo se les unirá su hermano Max Taut. Fue uno de los arquitectos alemanes que maduraría dentro del seno de la Deutscher Werkbund junto con Walter Gropius y Mies Van der Rohe. Después de haber realizado una serie de proyectos en Berlín, proyecta para la inauguración de las Exposiciones de la Deutscher Werkbund (Colonia 1914) la que será reconocida como su obra más expresionista: El Pabellón de Cristal. El Pabellón de Cristal es el origen del expresionismo cristalino, realizado en hormigón y vidrio, crea en su interior una atmósfera llena de luz y color que idealiza el mundo de los sueños de los niños, mientras que su exterior presenta una imagen dura debido a la elección de la voluntad de forma de la Deutscher Werkbund, cilindro y cúpula que centralizan el conjunto. Con el origen del expresionismo, Bruno Taut pasó a ser un personaje de gran importancia dentro del Movimiento Moderno, fue cofundador en 1918 del Nobembergruppe y un año después el mayor representante de la conocida como «Cadena de Cristal» en la que estaban incluidos Hermann Finsterlin, Walter Gropius y los hermanos Hans y Wassili Luckhardt entre otros. Fue el arquitecto municipal y dirigió los programas de edificación en Magdeburgo hasta el año 1924, en el cual bajo el consejo de Wagner, la Gehag (que era la mayor sociedad de edificación de Berlín) le nombró director de sus construcciones. Fue entonces cuando realiza sus obras más reconocidas dentro de la urbanística, como fueron el Gran Barrio de Britz (Berlín 1925) proyectado en forma de herradura y con la colaboración de Martin Wagner y la Urbanización en el Bosque de Berlín-Zehlndoff (1926). Utilizó el color de un modo magistral dentro de sus obras, así como formas capaces de producir un contraste urbano dentro de la ciudad de Berlín. En 1926 participó también en la creación de un barrio de viviendas, junto con otros miembros de la Werkbund en la periferia de Weissenhof. En 1929 publica el libro sobre el movimiento moderno titulado Die new Baukunst in Europa und Amerika. Perteneció a la asociación de arquitectura «Der Ring» y fue profesor de la Universidad de Berlín (1930-1932). Después de 1933 abandona Alemania y se concentra en la urbanística trabajando durante algún tiempo en Rusia. Posteriormente viajó a Japón y en 1937 vivió en Estambul (Turquía), donde murió.

OPINION:

El arquitecto Taut tuvo una de sus obras la cual fue la mas reconocida , el pabellon de cristal realizado de vidrio y hormigon que crea un espacio lleno de luz y color que idealiza en un mundo de sueño, acompañado de un cilindro y cupula que dan el conjunto del expresionismo, fue de las personas mas imporatntes dentro del movimiento moderno.Taut fue un arquitecto municipal que tambien edifico programas de edificacion en Magdeburgo.Fue entonces cuando realiza sus obras más reconocidas dentro de la urbanística, como fueron el Gran Barrio de Britz  en Berlín 1925 proyectado en forma de herradura y con la colaboración de Martin Wagner y la Urbanización en el Bosque de Berlín-Zehlndoff 1926. Utilizó el color de un modo magistral dentro de sus obras, así como formas capaces de producir un contraste urbano dentro de la ciudad de Berlín. En 1926 participó también en la creación de un barrio de viviendas, junto con otros miembros de la Werkbund en la periferia de Weissenhof.

LE CORBUSIER (1887-1965)

(Charles-Édouard Jeanneret; La Chaux-de-Fonds, 1887 – Cap Martin, 1965) Arquitecto francés de origen suizo que fue, junto a Walter Gropius, el principal protagonista del renacimiento arquitectónico internacional del siglo XX. Además de ser uno de los más grandes renovadores de la arquitectura moderna, fue un incansable agitador cultural, labor que ejerció con pasión a lo largo de toda su vida. Con sus escritos se ganó una merecida fama de polemista y aportó un verdadero caudal de ideas innovadoras que han hecho que su obra influya decisivamente en la arquitectura posterior.

Le Corbusier

Con una formación tan sólo artesanal, construyó su primera casa a los diecisiete años. Aprendió después con los mejores arquitectos de su época: Joseff Hoffmann, Auguste Perret y Peter Behrens. En 1919 fundó con Amadée Ozenfant el purismo, una derivación del cubismo. También había creado una revista, L’Esprit Nouveau, desde la que lanzaba sus proclamas contra la Escuela de Bellas Artes y fustigaba los dictados de una tradición anquilosada y obsoleta.

En 1921 Le Corbusier publicó un artículo en el que exponía un concepto totalmente nuevo de vivienda. Para guardar concordancia con su tiempo, la casa debía ser una «máquina para vivir» y homologarse al resto de bienes que configuran la sociedad tecnológica. Con ello no defendía la estética ni el espíritu maquinista, sino que trataba de hacer una casa tan eficaz funcionalmente como lo eran las máquinas en las tareas para las que habían sido inventadas.

La vida moderna traía consigo una serie de exigencias cuya satisfacción era imposible encontrar en la pervivencia de la arquitectura tradicional; había por ello que adecuar la arquitectura a la civilización industrial. «Nosotros gustamos del aire puro y del sol a raudales… -afirmó-. La casa es una máquina de vivir, baños, sol, agua caliente y fría, temperatura regulable a voluntad, conservación de los alimentos, higiene, belleza a través de proporciones convenientes. Un sillón es una máquina de sentarse… los lavabos son máquinas para lavar… El mundo de nuestro quehacer ha creado sus cosas: la ropa, la estilográfica, la cuchilla de afeitar, la máquina de escribir, el teléfono… la limusina, el barco de vapor y el avión.»

Así, pues, era absolutamente necesario crear también una nueva arquitectura, y Le Corbusier la fundó en torno a cinco puntos básicos: utilización de pilotis (elementos de sustentación), jardines en el tejado, libre conformación de las plantas, ventanales continuos y libre formación de la fachada, todo ello dentro de un estricto orden geométrico como único generador de «volúmenes puros». Estas soluciones pasarían a ser las características fundamentales y paradigmáticas del racionalismo arquitectónico.

La utopía de Le Corbusier fue crear una nueva realidad urbana, una ciudad que fuera una síntesis entre naturaleza y desarrollo tecnológico. Para ello, arquitectura y urbanismo debían estar perfectamente integrados. Le Corbusier concebía el urbanismo como interacción del espacio de la civilización en el espacio de la naturaleza y su ciudad ideal, proyectada en 1922, está construida en vertical, dejando libres grandes zonas de la superficie del suelo, que se convierten en zonas verdes para discurrir por debajo de los edificios. Éstos se levantan sobre pilotis, dejando las plantas bajas como espacios de libre comunicación. Los tejados, convertidos en jardines, dejan de ser espacios inútiles; las calles son de amplias dimensiones y el tráfico se organiza en grandes vías de circulación rápida, netamente separadas de las zonas para peatones.

Ante el caos de los grandes centros urbanos, incapaces de absorber la imparable aglomeración de vehículos y personas, Le Corbusier soñó una ciudad de rascacielos conectados por jardines y autopistas, pero sus sueños eran sólo de papel y, aunque proyectó decenas de rascacielos, nunca construyó ninguno. En los años veinte, aun tenía que conformarse con la construcción de casas aisladas; una de éstas, que ha pasado a la historia como magnífico ejemplo del racionalismo corbuseriano, es la Ville Savoye (1928-1929, Le Possy), una aplicación de la casa sustentada por pilotis, relacionada con el exterior a través de grandes cristaleras y con los espacios interiores conectados.

La Ville Savoye (1928-1929)

En el período de reconstrucción postbélica, Le Corbusier ideó una ciudad estructurada en unités d’habitation, elementos modulares de un nuevo desarrollo urbanístico. Su idea era construir grandes edificios de apartamentos dotados de los servicios necesarios para constituirse en unidades autosuficientes y su sueño encontró una fragmentaria realización en la Unité d’habitation de Marsella (1947-1952).

El edificio, concebido como un gran armazón en el que se encajan las viviendas, contiene trescientos treinta y siete apartamentos dúplex; las plantas séptima y octava están reservadas a tiendas comerciales; la terraza alberga diversos equipamientos colectivos: gimnasio, pista de atletismo, teatro al aire libre, guardería y piscina, y en la fachada el cromatismo de las hornacinas de las ventanas y balcones, pintadas en azul, amarillo, rojo y verde, rompe la monotonía del hormigón.

El inmueble pronto fue conocido en Marsella como «la casa del chiflado» y recibió numerosas críticas. A pesar de las muchas deficiencias que la realidad del funcionamiento del edificio puso en evidencia, constituyó el modelo de nueva arquitectura para toda una generación de arquitectos y muchas de sus ideas pasarían a ser de uso corriente en la construcción posterior. Le Corbusier siguió mejorando el proyecto durante toda su vida, aunque sólo se construyó otra Unité d’habitation en Nantes.

Le Corbusier realizó planes urbanísticos para muchas ciudades, entre ellas París (1925), Argel (1931), Barcelona (1932), Estocolmo (1933), o Saint Dié (1945). En la Carta de Atenas (1943), su escrito más importante junto a Hacia una arquitectura(1923), Le Corbusier enunció los principios generales que inspirarían las nuevas tendencias del urbanismo moderno. Entre ellos destaca la apuesta por la edificación abierta que, al contrario de la planificación basada en manzanas cerradas, permite la concentración de viviendas en altura para dejar grandes espacios abiertos ocupados por jardines; además, Le Corbusier propugnaba la sectorialización de la ciudad, dividiéndola en áreas especializadas (comerciales, administrativas, lúdicas). Este ideal de ciudad ha sido construido por otros arquitectos en las periferias de las grandes ciudades, aunque a menudo estas realizaciones no son sino groseras banalizaciones de la fantástica utopía de Le Corbusier.

fuente:http://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/corbusier.htm

OPINION:

Al hablar de Le Corbusier podriamos decir que este personaje fue y seguira siendo un o de los mas importantes en la arquitectura moderna tanto por sus aportes como por sus estudios y conocimientos que este tenia crecio de la mano en el ambito arquitectonicocon grandes estudiosos de la materia como lo es el mismo Walter Gropius que fue el principal protagonista del renacimiento arquitectonico internacional del siglo veinte.Le Corbusier concebía el urbanismo como interacción del espacio de la civilización en el espacio de la naturaleza y su ciudad ideal, proyectada en 1922, está construida en vertical, dejando libres grandes zonas de la superficie del suelo, que se convierten en zonas verdes para discurrir por debajo de los edificios. Éstos se levantan sobre pilotis, dejando las plantas bajas como espacios de libre comunicación. Los tejados, convertidos en jardines, dejan de ser espacios inútiles; las calles son de amplias dimensiones y el tráfico se organiza en grandes vías de circulación rápida, netamente separadas de las zonas para peatones.

HENRY RUSELL HITCHCOCK (1903-1987)

Henry-Russell Hitchcock nació en Boston y estudió en la Escuela de Middlesex y la Universidad de Harvard , recibiendo su AB en 1924 y su maestría en 1927.

A principios de 1930, a petición de Alfred Barr , Hitchcock colaboró con Philip Johnson (y Lewis Mumford ) sobre «Arquitectura Moderna: Exposición Internacional» en el Museo de Arte Moderno (1932), la exposición que presenta el nuevo » estilo internacional » Arquitectura de Europa a un público americano. Hitchcock y Johnson co-autor del libro El estilo internacional: Arquitectura Desde 1922 se publicó simultáneamente con la exposición del MoMA.

Cuatro años después, el libro de Hitchcock, la arquitectura de HH Richardson y su tiempo (1936) trajo la carrera de arquitecto estadounidense Henry Hobson Richardson medio de la oscuridad a la vez que el argumento de que las raíces distantes del modernismo europeo eran en realidad se encuentran en los Estados Unidos. Hitchcock en la naturaleza de los materiales (1942) siguió haciendo hincapié en las raíces americanas de la arquitectura moderna, en este caso, al centrarse en la carrera de Frank Lloyd Wright .

En 1948, Hitchcock publicó el ensayo en el catálogo de libros Pintura / exposición hacia la arquitectura: La colección de la empresa Miller del arte abstracto ( Meriden, CT ). El prólogo fue escrito por Alfred Barr, y el principal organizador de la exposición, y el director artístico Miller Co., era coleccionista de arte Emily Tremaine Salón .. La exposición se originó en el Wadsworth Atheneum de Hartford y viajó a varios lugares a través de los Estados Unidos ( 1947-52). En ese momento, Hitchcock estaba enseñando en la Wesleyan University en Middletown, CT. Se organizó un segundo visionado, con una selección diferente de las obras, después de su llegada a la universidad de Smith.

Hitchcock enseñó en varias universidades y universidades, pero principalmente en el Smith College (donde también fue director del Museo de Arte del Smith College 1949-1955). En 1968 se trasladó a la ciudad de Nueva York y posteriormente enseñó en el Instituto de Bellas Artes, Universidad de Nueva York . También enseñó en la Universidad de Wesleyan , Instituto de Tecnología de Massachusetts , la Universidad de Yale , la Universidad de Harvard y la Universidad de Cambridge . 

Durante el transcurso de la carrera de Hitchock, produjo más de una docena de libros sobre arquitectura. Su Arquitectura: siglos XIX y XX (1958) es un estudio exhaustivo de más de 150 años de arquitectura que fue ampliamente utilizado como libro de texto en los cursos de historia de la arquitectura de la década de 1960 hasta la de 1980, y sigue siendo una referencia útil hoy en día.

También fue miembro fundador de la Sociedad victoriana en Gran Bretaña y un presidente a principios de la sociedad victoriana en América . Uno de los premios de libros de esa Sociedad es el «Henry-Russell Hitchcock Award». Un » Alice premio Hitchcock Davis » es otorgado por tanto la Sociedad de Historiadores de Arquitectura y la Sociedad de Historiadores de Arquitectura de Gran Bretaña (SAHGB)  y el nombre de la madre de Hitchcock.

Hitchcock era homosexual, uno de varios hombres homosexuales en las artes y las humanidades para salir de Harvard.  Hitchcock falleció de cáncer a los 83 años.

Hitchcock se centró principalmente en los aspectos formales del diseño y consideró al arquitecto individual como el principal determinante de la historia arquitectónica. El trabajo de Hitchcock tendía a disminuir el papel de las fuerzas sociales más amplias. A veces ha sido criticado por este enfoque de «gran hombre» o «genealógico».

 OPINION:

Este arquitecto colaboro con el arquitecto Philip Johnson sobre la arquitectura moderna dando asi una exposicion en el museo de arte moderno la exposicion presento el nuevo estilo internacional el cual seria un estilo europeo a un publico americano dando asi un giro realmente radical.Hitchcock era homosexual, uno de varios hombres homosexuales en las artes y las humanidades para salir de Harvard. Algo con lo que tuvo que luchar de una manera casi permanente.Este arquitecto se centró baso en los aspectos formales del diseño y consideró al arquitecto individual como el principal determinante de la historia arquitectónica. El trabajo de Hitchcock tendía a disminuir el papel de las fuerzas sociales más amplias. A veces ha sido criticado por este enfoque de gran hombre o genealógico.

 PHILIP JOHNSON (1906-2005)

El arquitecto Philip Johnson nació el 8 de julio de 1906 en Cleveland, Ohio. Aunque siempre estuvo interesado en el arte y la arquitectura, decidió estudiar Filosofía en la Universidad de Harvard. Allí, Johnson descubrió la arquitectura que se estaba realizando en Europa, y a los arquitectos Martin Gropius, Mies van der Rohe, Le Corbusier… En 1927 decidió viajar a Europa para conocer su obra, y a su regreso  a los Estados Unidos escribió El estilo internacional (1932) junto con el historiador Henry Russel Hitchcok. El libro se convirtió en un éxito e incluso le abrió las puertas en el recien creado Departamento de Arquitectura del Museo de Arte de Nueva York (1930-1936). El Estilo Internacional se caracterizó por su concepción minimalista, primacía del funcionalismo sobre la ornamentación suplerflua.

A Johnson le atraía además de la arquitectura, el mundo de las ideas, la política, llegando a ser candidato para la legislatura del estado, sin embargo, y según palabras del propio Johnson «era un pésimo político». Pronto comprendió que aquello no era lo suyo y decidió con 34 años estudiar arquitectura. En esta época Johnson también se convirtió en un destacado defensor de Adolf Hitler. Sin embargo, en 1940 decide abandonar esta ideología y años después llegó a pedir perdón proyectando gratis una sinagoga.

En 1940 entró a estudiar arquitectura en la universidad de Harvard, donde tuvo como profesores a Walter Gropius y Marcel Breuer. Tres años más tarde se licenció como arquitecto, y gracias a unas inversiones exitosas amasó una gran cantidad de dinero que Johnson decidió invertir en realizar en su finca el proyecto de tesis con el que obtuvo el título de arquitecto, la conocida como Glass House o Casa de Cristal (1949) situada en New Canaan (Connecticut). Este proyecto se convertiría en uno de sus trabajos más conocidos y valorados. Como se aprecia en este trabajo, los comienzos de Johnson en la arquitectura estuvieron muy influenciados por la figura de Mies van der Rohe.

En 1946 vuelva a retomar la dirección del Departamento de Arquitectura del Moma, donde permanecería hasta 1954. Johnson destacó en esta etapa en el Moma al conseguir traer por primera vez a los Estados Unidos la obra de la Bauhaus, los arquitectos funcionalistas y a Mies van der Rohe, con quién llegó a trabajar. Entre sus obras destacan los rascacielos: el Seagram Building en colaboración con Mies van der Rohe, en Nueva York (1958), el Kline Science Center en New Haven (1962) o el Penzoil Place de Houston (1976), el museo Kunsthalle Bielefeld Museum en Bielefeld, Alemania (1968), las bibliotecas Boston Public Library Extension de Boston (1972) y Elmer Holmes Bobst Library de Nueva York (1973).

Entre 1964 y 1967 se asoció con Richard Foster, y en ese mimo año decidió compartir vida y obra con John Burgee. Esta sociedad se mantuvo cerca de veinte años.

En los años ochenta, Johnson se convirtió en un ferviente defensor del Postmodernismo como así lo demuestra su proyecto del AT&T de Nueva York (1984). En estos años Philip Johnson, será considerado uno de los padres de los rascacielos realizando numeros proyectos como el Wells Fargo Center de Denver (1983), el Williams Tower de Houston (1984), el Pittsburgh Plate Glass de Pittsburgh (1984), el One International Place Boston (1985), el Lipstick Tower de Nueva York (1986), el Bank One Center de Dallas (1987) o el One Atlantic Center de Atlanta (1988).

En 1989 decidió retirarse, pero regresó cinco años después de la mano de Alan Ritchie, con quien diseñó la Trump Internacional Hotel and Tower de Nueva York.

Entre sus últimos trabajos destacaron la Comerica Tower de Detroit (1990), 191 Peachtree de Atlanta (1992), la Puerta de Europa (Torres Kio) de Madrid trabajo realizado cuando tenía 92 años o  la First Union Plaza de  Boca Raton, Florida (2000).

Johnson recibió a lo largo de su vida numeroso premios como La Medalla de Oro del Instituto Americano de Arquitectos (1978), y  la primera edición del Premio Pritzker, máximo galardón en arquitectura (1979). Philip Johnson falleció el 25 de enero de 2005 en su casa, la Glass House de  New Canaan, Connecticut. Johnson ha pasado a la historia de la aquitectura, gracias a su larga carrera que le permitió coquetear con varios estilos en sus numeroso proyectos, y  por la incorporación de dos nuevos términos en arquitectura: el ‘estilo internacional’ y el ‘desconstructivismo.

fuente http://catalogo.artium.org/book/export/html/7755

OPINION:

Este arquitecto estadounidense iniciado en la rama filosofica la cual estudio en la universidad de Harvard fue atraido por la arquitectura que se estaba haciendo en europa por lo cual decidio viajar a este continente lo cual dio lugar a su interes particular por la arquitectura, al regreso a su pais natal despues de este viaje, escribio un libro llamado el estilo internacional mismo que fue todo un exito y que le abrio las puertas al afamado departamento de arte y arquitectura de Nueva York.A Johnson le atraía además de la arquitectura, el mundo de las ideas, la política, llegando a ser candidato para la legislatura del estado, sin embargo, y según palabras del propio Johnson era un pésimo político. oPronto comprendió que aquello no era lo suyo y decidió con 34 años estudiar arquitectura. En esta época Johnson también se convirtió en un destacado defensor de Adolf Hitler. Sin embargo, en 1940 decide abandonar esta ideología y años después llegó a pedir perdón proyectando gratis una sinagoga.

WALTER GROPIUS (1883-|969)

Arquitecto y profesor alemán, fundador de la Bauhaus, la escuela de arte que capitalizó la investigación sobre arquitectura y artes aplicadas durante la primera mitad del siglo XX. Sus principales hipótesis, que formaban parte de los principios ideológicos de esta escuela, fueron la economía expresiva y la adecuación a los medios productivos para todas las formas de diseño, una especie de maridaje entre el arte y la ingeniería. Estos conceptos también se plasman en sus edificios, que ejercieron una enorme influencia en la arquitectura moderna. Gropius nació en Berlín el 18 de mayo de 1883 y estudió arquitectura en las universidades de Munich y Berlín-Carlottenburg. Entre 1907 y 1910 trabajó en el estudio del arquitecto Peter Behrens, uno de los pioneros del diseño moderno. En 1911 se unió al Deutscher Werkbund, institución creada para coordinar el trabajo de los diseñadores con la producción industrial. En colaboración con Adolph Meyer proyectó la fábrica Fagus en Alfeld (1910-1911) y el edificio de oficinas de la exposición del Werkbund en Colonia (1914), que le dieron a conocer en toda Europa. Después de la I Guerra Mundial dirigió dos escuelas de arte en Weimar, hasta que las transformó, en 1919, en la nueva Staatliches Bauhaus, donde introdujo una pedagogía que aunaba el estudio del arte con el de la tecnología. Los estudiantes aprendían a través de distintos talleres las habilidades básicas de los principales oficios, y así se familiarizaban con los materiales y los procesos industriales. Este método hizo posible un gran acercamiento a la realidad de la producción en serie y revolucionó el mundo del diseño industrial moderno.

Cuando la escuela se trasladó a Dessau, Gropius proyectó los edificios que la acogerían, caracterizados por una exquisita simplicidad formal y por el empleo de grandes superficies de vidrio plano. Gropius abandonó su cargo como director de la Bauhaus en 1928 y continuó su carrera como arquitecto. Su oposición al partido nazi le obligó a abandonar Alemania en 1934, y después de pasar varios años en Gran Bretaña emigró a Estados Unidos para dar clases en la Universidad de Harvard. Allí se hizo cargo del departamento de Arquitectura (1938-1952), donde introdujo muchas de las ideas desarrolladas en la Bauhaus, y formó a varias generaciones de arquitectos estadounidenses. En 1946 creó un grupo llamado Architects Collaborative, que se hizo cargo de muchos proyectos de gran envergadura, como el Harvard Graduate Center (1949), la embajada de Estados Unidos en Atenas (1960) o la Universidad de Bagdad (1961). También construyó el edificio de la Panam (1963) en Nueva York, en colaboración con el arquitecto italoestadounidense Pietro Beluschi. Gropius murió el 5 de julio de 1969 en Boston.

http://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=53

OPINION:

Este arquitecto aleman me parece en mi punto de vista personal , que hay mucho que reconocerle y en cierto punto agradecer por sus grandes e interesantes aportes en la arquitectura uno de sus principales proyectos fue la creacion de la escuela Bauhaus escuela de arte que capitalizo la investigacion y estudios sobre arquitectura y las artes aplicadas misma que hoy en dia sigue siendo la mayor influencia en este ambito para muchas universidades de todo el mundo.Los estudiantes aprendían a través de distintos talleres las habilidades básicas de los principales oficios, y así se familiarizaban con los materiales y los procesos industriales. Este método hizo posible un gran acercamiento a la realidad de la producción en serie y revolucionó el mundo del diseño industrial moderno. Gropius abandonó su cargo como director de la Bauhaus en 1928 y continuó su carrera como arquitecto. Su oposición al partido nazi le obligó a abandonar Alemania en 1934, y después de pasar varios años en Gran Bretaña emigró a Estados Unidos para dar clases en la Universidad de Harvard. Allí se hizo cargo del departamento de Arquitectura , donde introdujo muchas de las ideas desarrolladas en la Bauhaus, y formó a varias generaciones de arquitectos estadounidenses

FRANK LLOYD WRIGHT (1867-1959)

(Richlan Center, EE UU, 1869-Phoenix, id., 1959) Arquitecto estadounidense. Nacido en el seno de una familia de pastores de origen británico, pasó su infancia y su adolescencia en una granja de Wisconsin, donde vivió en estrecho contacto con la naturaleza, algo que condicionó su posterior concepción de la arquitectura. Ingresó en la Universidad de Wisconsin para estudiar ingeniería, pero tras dos cursos, se trasladó a Chicago, donde entró en el estudio de Ll. Silsbee; como éste era un arquitecto demasiado convencional, no se sintió a gusto y lo abandonó para trabajar con L. H. Sullivan, con quien colaboró estrechamente a lo largo de seis años y al que siempre recordó con respeto y afecto.

Frank Lloyd Wright

Su primera obra en solitario fue la Charnley House de Chicago (1892), a la cual siguió, algo más tarde, toda una serie de viviendas unifamiliares que tienen en común su carácter compacto y la austeridad decorativa, en oposición al eclecticismo de la época. En estas primeras realizaciones de arquitectura doméstica, conocidas como prairies houses o «casas de las praderas», están presentes algunas de las constantes de su obra, como la concepción predominantemente horizontal, el espacio interior organizado a base de dos ejes que se cruzan y la prolongación del techo en alas que forman pórticos.

Con anterioridad, su genio innovador se había puesto de manifiesto en el Larkin Company Administration Building de Buffalo (1904), donde dejó el espacio central vacío desde la planta baja hasta el techo, con el fin de que todas las plantas se abrieran mediante balconadas a este amplio ámbito. Tras un viaje a Japón en 1905 y otro por Europa en 1909-1910, se estableció en Spring Green (Wisconsin), donde realizó para él y su familia el Taliesin I, trágicamente destruido por un incendio.

La pérdida de su familia en este accidente lo afectó de tal modo que decidió abandonar Estados Unidos y trasladarse a Japón, donde edificó, al estilo de los castillos tradicionales, el Imperial Hotel de Tokio. En 1921 regresó a Estados Unidos y reconstruyó en dos ocasiones el Taliesin (versiones II y III), y realizó una serie de obras como la Millard House de Pasadena.

La Casa Kaufmann y el Museo
Solomon R. Guggenheim (Nueva York)

Siguió una época de reflexión y de planteamientos más teóricos que prácticos, antes de volver a la actividad con obras en las que desempeña un papel fundamental el hormigón armado. Entre ellas ocupa un lugar destacado su creación más famosa, la Casa Kaufmann o Casa de la Cascada, que se adapta a la perfección al escalonamiento del terreno y prolonga hacia el exterior el espacio interior en una búsqueda de integración entre arquitectura y naturaleza. A raíz de esta construcción, Bruno Zevi definió el concepto de arquitectura orgánica u organicismo, corriente de la que Wright es considerado el máximo exponente, pese a que no la formuló teóricamente.

Esta arquitectura orgánica tuvo su máxima expresión en el complejo de Taliesin West, en Phoenix, donde logró sintetizar magistralmente todos los elementos formales que habían caracterizado su obra hasta la fecha. Su carrera de precursor de la arquitectura moderna, que se prolongó a lo largo de más de sesenta años, se cerró de manera brillante con el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, donde el arquitecto experimentó una nueva concepción del espacio, basada en el desarrollo orgánico de plantas curvas o circulares en un continuum.

En los últimos años de su vida realizó sobre todo proyectos, algunos de los cuales se convirtieron en realidades concretas después de su muerte. El legado arquitectónico de Wright puede resumirse en dos conceptos que constituyen el centro de su reflexión: la continuidad exterior del espacio interior dentro de la armonía entre naturaleza y arquitectura y la creación de un espacio expresivo en el interior de un volumen abstracto.

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/w/wright.htm

OPINION:

Este arquitecto estadounidense hoy en dia tiene un gran punto de reconocimiento basado e inspirado en la misma naturaleza la cual acondiciono en sus diseños arquitectonicos empezo realizando proyectos practicamente pequeños  hizo muchas casas conocidas como las casas de la pradera.Despues se aventuro por proyectos mas grandes y de un peso mayor.Tras un viaje a Japón en 1905 y otro por Europa en 1909-1910, se estableció en Spring Green, donde realizó para él y su familia el Taliesin I, trágicamente destruido por un incendio.La pérdida de su familia en este accidente lo afectó de tal modo que decidió abandonar Estados Unidos y trasladarse a Japón, donde edificó, al estilo de los castillos tradicionales, el Imperial Hotel de Tokio. En 1921 regresó a Estados Unidos y reconstruyó en dos ocasiones el Taliesin versiones II y III, y realizó una serie de obras como la Millard House de Pasadena.

 

PAUL SCHMITTHENNER (1884-1972)

Paul Schmitthenner (el 15 de diciembre de 1884 – el 11 de noviembre de 1972) era un arquitecto alemán y urbanista de Lauterbourg, Alsacia-Lorena, uno de los arquitectos de Adolf Hitler. Se graduó de la universidad de Stuttgarty más tarde se hizo un Profesor allí, donde formó juntos con Paul Bonatz el estilo arquitectónico de la Escuela de Stuttgart. Su creencia que los métodos tradicionales y los estilos en la arquitectura revelaron mejor el carácter alemán llevó a su cita como el líder del grupo de expertos para bellas artes en Kampfbund. Creyó que Schönheit ruht en Ordnung («belleza está en el pedido (geométrico)»). Schmitthenner estaba en la oposición abierta a arquitectos modernos como Walter Gropius. Para él, la casita de campo de Goethe en Weimar todavía era el tipo ideal del edificio residencial alemán. Sin embargo, a pesar de la aprobación, su entusiasmo no trajo muchas comisiones grandes. Era el autor del libro «Baugestaltung. Das Deutsche Wohnhaus», 1932. Tuvo que abandonar a su silla en la universidad después de la guerra sin una pensión y trabajó como un arquitecto hasta el final de su vida.

En Stuttgart construyó el «Königin-Olga-Bau» para el Banco Dresdner 1950.

Su creencia de que los métodos tradicionales y estilos en la arquitectura revelan mejor el carácter alemán condujo a su designación como líder del grupo de expertos para las bellas artes en el Kampfbund . Se cree que ruht Schönheit in Ordnung (en alemán: «La belleza está en ( geométrica ) orden»). Schmitthenner estaba en la oposición abierta a arquitectos modernos como Walter Gropius . Para él, la casa de Goethe en Weimar seguía siendo el tipo ideal del edificio residencial alemana. Sin embargo, a pesar de la aprobación oficial, su entusiasmo no trajo muchas comisiones grandes.

Tuvo que dejar su silla en la universidad después de la guerra sin una pensión y trabajó como arquitecto hasta el final de su vida. En Stuttgart se construyó el «Königin-Olga-Bau» para el Dresdner Bank en 1950.

http://www4.helpes.eu/01231503/PaulSchmitthenner

OPINION:

Es uno de los arquitectos urbanistas de alemania y algo que me intereso mucho de este personaje es que fue uno de los arquitectos de Adolf Hitler, tambien fungio como profesor en la universidad de Stuffgard, la cual dejaria despues de la guerra, fungio como arquitecto toda sus vida. Al,pasar todos estos acontecimientos que se vivian en esos años me hace pensar lo dificil que era desarrollarse en muchos ambitos u oficios sin embargo Paul Smitthener lo logro.Su creencia de que los métodos tradicionales y estilos en la arquitectura revelan mejor el carácter alemán condujo a su designación como líder del grupo de expertos para las bellas artes en el Kampfbund . Se cree que  «La belleza está en (geométrica ) orden». Schmitthenner estaba en la oposición abierta a arquitectos modernos como Walter Gropius . Para él, la casa de Goethe en Weimar seguía siendo el tipo ideal del edificio residencial alemana.

SIGFRIED GIEDION (1888-1968)

Hijo de un industrial suizo, Sigfried Giedion estudió en Viena Ingeniería Industrial antes de ser alumno de Heinrich Wölfflin en Múnich en la carrera de Historia del Arte; se doctoró en 1922. Los contactos mantenidos con la Bauhaus en 1923 y con Le Corbusier en 1925 le atrajeron a la arquitectura moderna. Enseñó en la Universidad de Zúrich, en el Massachusetts Institute of Technology y en la Universidad Harvard. Fue el primer Secretario General del Congrès International d’Architecture Moderne desde 1923 hasta 1956.

En 1928 se incorporó al grupo de la iniciativa del Werkbundsiedlung Neubühl, a cuya comisión directiva perteneció hasta 1939. Escribió una serie de importantes artículos al respecto, que tuvieron difusión en todo el mundo. Con Espacio, tiempo y arquitectura compiló una historia canónica de la arquitectura moderna; con La mecanización toma el mando, libro difundido en inglés, francés y español, inauguró un nuevo género historiográfico sobre la técnica.

El objetivo de Giedion consistía en integrar la arquitectura moderna en la imagen de la historia del arte así como demostrar la aparición de una nueva tradición. Para él fue importante considerar la arquitectura y el arte modernos como una unidad interdependiente -enfoque nuevo para su época-. Para este propósito intentó fundamentarlo con hechos objetivos y con una cosmovisión científica. Inclusive, el título de su libro «Espacio, tiempo y arquitectura» remite a la obra de Hermann Minkowski «Espacio y Tiempo» de 1907 que sentaba las bases matemáticas para la teoría de la relatividad. En la nueva experiencia física de que -el espacio y el tiempo se funden en una unión con el mundo-, Giedion consideraba superada la contraposición entre ciencia y arte.

Giedion comparó directamente la arquitectura con las artes plásticas. Algunos ejemplos son: Francesco Borromini (1599-1667) con Wladimir Tatlin (1885-1953) o la fachada de la Bauhaus con el cubismo de Picasso. Sin embargo, siendo discípulo de Wölfflin, no solo buscaba puntos en común estéticos sino también estructurales. Se propuso elevar a la arquitectura y el arte al plano de la objetividad. Basándose en el «espíritu de los tiempos» de Hegel, Giedion vio en el racionalismo de las ciencias naturales la idea que caracterizaba los tiempos modernos en general. «El historiador, en particular el historiador de la arquitectura, ha de mantenerse en un estrecho contacto con las ideas actuales. Sólo si está impregnado en el espíritu de su propio tiempo puede descubrir los trazos del pasado que no eran visibles desde el punto de vista de las anteriores generaciones»

Giedion fue de los primeros europeos en subrayar la importancia revolucionaria de la Escuela de Chicago, de la evolución técnica y de la implementación arquitectónica de la estructura de acero. Para él, los verdaderos héroes de la arquitectura moderna fueron Walter Gropius, Le Corbusier y Frank Lloyd Wright.

A pesar de que su libro marcó a dos generaciones de arquitectos como el «libro de cabecera», su visión histórica de la que Julius Posener afirma que rebasa a la historiografía para convertirse en propaganda, ha hecho de su libro un libro obsoleto. Así como el hecho de que no prestara atención a otras corrientes arquitectónicas como la del expresionismo.

Se casó con Carola Giedion-Welcker, quien creó un círculo de artistas de vanguardia en Suiza, entre los que se contaba el arquitecto holandés Aldo van Eyck. Su hija Verena se casó con el arquitecto Paffard Keatinge-Clay.

Haz clic para acceder a 65323979022.pdf

OPINION:

Este señor fue uno de los arquitectos que se fucionaron el la arquitectura moderna, aparte de escribir varios articulos importantes que tuvieron difusion en todo el mundo, algo que me parece demasiado influyente y una gran oportunidad para hacerse conocido.Giedion fue de los primeros europeos en subrayar la importancia revolucionaria de la Escuela de Chicago, de la evolución técnica y de la implementación arquitectónica de la estructura de acero. Para él, los verdaderos héroes de la arquitectura moderna fueron Walter Gropius, Le Corbusier y Frank Lloyd Wright.No solo buscaba los puntos de la estetica si no tambien los estructurales algo que lo hizo una persona y profesionista perfeccionista, sus diseños no tan complejos son hoy en dia un gran ejemplo de como es que la arquitectura moderna dio paso a demasiados diseños

Archigram

Archigram fue un grupo creado en la década de 1960 —principalmente en la Asociación de Arquitectura de Londres-. Enmarcado en el antidiseño, era futurista, antiheroico y pro-consumista, inspirándose en la tecnología con el fin de crear una nueva realidad que fuese expresada solamente a través de proyectos hipotéticos.

En los comics arquitectónicos, plagados de fantasía, del grupo ingles Archigram se presentaron modelos de ciudades tanto serios como desenfrenadamente divertidos y utópicos, concebidos para una civilización globalizada. La estética de Cabo Cañaveral se unía con el happening y la cultura popular de la vida diaria.

Los principales miembros del grupo fueron: Peter Cook, Jhoana Mayer, Warren Chalk, Ron Herron, Dennis Crompton, Michael Webb y David Greene inventaron el nombre de «Archigram» que sugería mensajes breves, concisos y fáciles de retener, en relación con la arquitectura. Su medio principal era una especie de revisa underground, que comenzó a publicarse en lapsos irregulares de tempo a partir de 1961. Mientras que la revista al principio solo circulaba entre grupos e iniciado, si bien entre ellos pronto se convirtió en toda una institución, el grupo se dio a conocer en la primera exposición conjunta «living city» celebrada en el instituto de arte contemporáneo de Londres en 1963.

En el panfleto Archigram I publicado en 1961 exhibieron sus ideas. Encargados de realizar una infraestructura ligera, con tecnología de punta, enfocada hacia la tecnología de supervivencia, experimentaron con tecnología clip-on, medios desechables, cápsulas espaciales y con la imaginería del consumo masivo. Sus obras ofrecían visiones seductoras de una glamourosa era futura de las máquinas; sin embargo, los temas sociales y ambientales fueron dejados de lado.

Las obras de Archigram basaban su sesgo futurista en la obra del arquitecto italiano Antonio Sant’Elia. Richard Buckminster Fuller fue también una importante fuente de inspiración. Los trabajos de Archigram sirvieron, a su vez, como fuentes de inspiración de trabajos posteriores como el Centro Georges Pompidou, hecho en [1971] por Renzo Piano y Richard Rogers así como la obra de Gianfranco Franchini y Future Systems.

Archigram se convirtió en el protagonista de una nueva filosofía urbana, que sintetizaba el Pop Art contemporáneo con la estética de la ciencia ficción.

Archigram fue un grupo creado en la década de 1960 —principalmente en la Asociación de Arquitectura de Londres-. Enmarcado en el antidiseño, era futurista, antiheroico y pro-consumista, inspirándose en la tecnología con el fin de crear una nueva realidad que fuese expresada solamente a través de proyectos hipotéticos.

En los comics arquitectónicos, plagados de fantasía, del grupo ingles Archigram se presentaron modelos de ciudades tanto serios como desenfrenadamente divertidos y utópicos, concebidos para una civilización globalizada. La estética de Cabo Cañaveral se unía con el happening y la cultura popular de la vida diaria.

Los principales miembros del grupo fueron: Peter Cook, Jhoana Mayer, Warren Chalk, Ron Herron, Dennis Crompton, Michael Webb y David Greene inventaron el nombre de «Archigram» que sugería mensajes breves, concisos y fáciles de retener, en relación con la arquitectura. Su medio principal era una especie de revisa underground, que comenzó a publicarse en lapsos irregulares de tempo a partir de 1961. Mientras que la revista al principio solo circulaba entre grupos e iniciado, si bien entre ellos pronto se convirtió en toda una institución, el grupo se dio a conocer en la primera exposición conjunta «living city» celebrada en el instituto de arte contemporáneo de Londres en 1963.

En el panfleto Archigram I publicado en 1961 exhibieron sus ideas. Encargados de realizar una infraestructura ligera, con tecnología de punta, enfocada hacia la tecnología de supervivencia, experimentaron con tecnología clip-on, medios desechables, cápsulas espaciales y con la imaginería del consumo masivo. Sus obras ofrecían visiones seductoras de una glamourosa era futura de las máquinas; sin embargo, los temas sociales y ambientales fueron dejados de lado.

Las obras de Archigram basaban su sesgo futurista en la obra del arquitecto italiano Antonio Sant’Elia. Richard Buckminster Fuller fue también una importante fuente de inspiración. Los trabajos de Archigram sirvieron, a su vez, como fuentes de inspiración de trabajos posteriores como el Centro Georges Pompidou, hecho en [1971] por Renzo Piano y Richard Rogers así como la obra de Gianfranco Franchini y Future Systems.

Archigram se convirtió en el protagonista de una nueva filosofía urbana, que sintetizaba el Pop Art contemporáneo con la estética de la ciencia ficción.

https://es.wikipedia.org/wiki/Archigram

OPINION:

Este grupo creado por arquitectos en la decada de los 60´s me resulta de gran importancia y agrado ya que ofrecian ideas y proyectos sumamente futuristas y que parecian sacados de peliculas de ciencia ficcion creado por :Peter Cook, Jhoana Mayer, Warren Chalk, Ron Herron, Dennis Crompton, Michael Webb y David Greene lo bautizaron con el nombre de «Archigram».Se enfocaron en realizar diseños totalmente distintos innovadores y que emplearan tecnologia de punta, incluso llegaron a utilizar tecnologia espacial. Al conocer y observar sus diseños me lleno de asombro al ver como es que se adelantaron a su tiempo con estos proyectos realmente radicales pero que llamaban la atencion de la gente por ejemplo la ciudad que caminaba proyecto que nos transportaba a una realidad totalmente futurista pero un poco apocaliptica , algo similar a la pelicula de Mad Max.

KISHO KUROKAWA (1934-2007)

Nacido en Nagoya, Aichi, Kurokawa estudió en la Universidad de Kioto, se graduó con una licenciatura del Departamento de Arquitectura en 1957. Continuó sus estudios en la Escuela de Arquitectura Universidad de Tokio bajo la supervisión de Kenzō Tange, consiguiendo un master en 1959 y el doctorado en 1964.

Junto a algunos colegas, cofundó el Movimiento Metabolista en 1960; sus miembros eran conocidos como los Metabolistas. Éste fue un movimiento radical avant-garde japonés que perseguía la combinación y el reciclaje de los estilos de la arquitectura alrededor de una filosofía asiática. El movimiento fue muy exitoso, destacando cuando sus miembros recibieron la alabanza por el Takara Beautillion de la Expo Universal de Osaka de 1970. El grupo se rompió pronto después de eso.

Kurokawa tenía una hija de su primer matrimonio, que trabaja como arquitecta del paisaje. Su segundo matrimonio fue con Ayako Wakao (若尾 文子 Wakao Ayako), una actriz con algunas películas notables en los años 50 y los 60. El hermano de Kurokawa, más joven que él, trabaja en el diseño industrial, pero también había cooperado con Kurokawa en algunos proyectos de arquitectura.

Kurokawa fue el fundador y presidente de la compañía Kisho Kurokawa Architect & Associates, creada el 8 de abril de 1962. La compañía tiene su oficina principal en Tokio, y delegaciones en Osaka, Nagoya, Astaná, Kuala Lumpur y Pekín. La compañía está registrada por el gobierno japonés como Oficina de Arquitectos de Primera Clase.

Sus ideas sobre la Arquitectura

Kisho Kurokawa, nacido en Nagoya en 1934 es uno de los arquitectos japoneses más aclamados internacionalmente. Él fue fundador del Movimiento Metabolista en los años 60. Tiene escrita una extensa cantidad de trabajos referidos a la filosofía y a la arquitectura. Kurokawa escribió que hay dos tradiciones inherentes a cualquier cultura: la visible y la invisible. Su trabajo, según él, lleva la tradición invisible de Japón. Mirando su arquitectura, el metabolismo, la tradición no parece estar presente, pero por debajo de la piel dura de la superficie, su trabajo es japonés. Es difícil demandar que las tecnologías y el material modernos usados hayan heredado la tradición japonesa, y que las formas tradicionales de arquitectura japonesa pueden ser reconocidas en tus torres modernas de acero. Sin embargo, la arquitectura de Kurokawas se desarrolla desde la tradición japonesa y uno puede detectar el detrás de la estética japonesa en su trabajo. El trabajo de Kurokawa se centró en guardar las tradiciones japonesas de los conceptos invisibles, especialmente materialidad, impermanencia, receptividad y detalle. Estos 4 puntos fueron discutidos específicamente por Kurokawa en su explicación para una nueva onda de la arquitectura japonesa:

Impermanencia

Kurokawa observó que a excepción de Kioto y de Kanazawa, la mayoría de las ciudades japonesas fueron destruidas durante la Segunda Guerra Mundial. Cuando se destruyen las ciudades occidentales, el ladrillo y la piedra permanecen como prueba de su última existencia. Tristemente, las observaciones de Kurokawa nos muestran que las ciudades de Japón fueron construidas sobre todo de los elementos de madera y naturales que se convierten fácilmente en cenizas desapareciendo totalmente. Él también observa que tanto Edo (ahora Tokio) como Kioto fueron destruidas casi enteramente en varias ocasiones durante batallas del período de los Reinos Combatientes en el siglo XV y XVI. El cambiar de poder hizo que partes de Japón debieran ser destruidas. En el mismo apartado, hablando históricamente, las ciudades de Japón se han golpeado casi anualmente con desastres naturales tales como terremotos, tifones, inundaciones y erupciones volcánicas. Esta destrucción repetida continua de edificios y de ciudades ha dado a Japón»mucha incertidumbre sobre su existencia, una carencia de fe en lo visible, una suspicacia de lo eterno«. Además las cuatro estaciones están marcadas claramente en Japón, y los cambios en el año de éstas son extremos y dramáticos. El tiempo es, en la cultura japonesa, una entidad preciosa que fuerza muchas velas, muchos seres, muchas entidades que se descolorean en un punto. La idea de que los edificios y las ciudades deben parecer tan naturales como sea posible y que deben estar en armonía con el resto de la naturaleza, puesto que está solamente temporalmente allí, ha creado la tradición de hacer el edificio y las ciudades con una estructura «temporal«.

Esta idea de la impermanencia se refleja en el trabajo de Kurokawa durante el Movimiento Metabolista. Los edificios fueron hechos tan sólo para ser desprendibles, permutables y adaptables. El concepto de la impermanencia provino de su trabajo para hacer sistemas abiertos al tiempo y espacio.

Materialidad

Kurokawa explica que los japoneses intentaban explotar las texturas y colores naturales de los materiales usados en una edificación. La tradicional habitación del té fue intencionalmente construida de sólo materiales naturales como tierra y arena, papel, hojas de plantas, y pequeños árboles. Para la maderas que se necesitaban se preferían los árboles de sus propios patios traseros. Se rechazaron todos los colores artificiales y los tonos y texturas naturales de los materiales fueron demostrando sus mejores ventajas. Esta honradez de la materialidad proviene de la idea de que la naturaleza es hermosa en sí misma ya. El japonés siente que su comida sabe mejor, que su madera parece mejor, que lo material es mejor, cuando es natural. Se cree en el máximo disfrute de todo aquello que está en su estado natural.

Esta tradición de la materialidad está viva en el trabajo de Kurokawa que trata el hierro como hierro, el aluminio como aluminio y hacer que la mayor parte de lo inherente finalice en algo concreto. La tradición de la honradez de la materialidad está presente en el edificio de la cápsula de Kurokawa. En él, Kurokawa demostró tecnología con “ningún color artificial.” La cápsula, la unidad de la escalera móvil, la unidad del elevador, y la canalización eran toda exteriores y expuestas. Kurokawa tenía estructuras abiertas enseñadas tal y como eran sin tentativa de ocultar los elementos de los conectadores, creyendo que la belleza era inherente en cada parte por sí misma. Este movimiento en negrilla creó una textura de los elementos que se convirtieron en la materialidad verdadera del conjunto.

Receptividad

La noción o la receptividad es una idea crucial japonesa. Algunos incluso aventurarían decir que es una “tradición.” Japón, dice Kurokawa, es un país pequeño. Durante más de mil años, Japón ha vivido con un conocimiento sus vecinas China y Corea; y en la edad moderna de los imperios de Portugal, Gran Bretaña, Estados Unidos, por nombrar algunos. La única manera para un país pequeño como Japón de evitar ser atacada por estos imperios era hacer tentativa continua de absorber culturas extranjeras, para estudiarlas, y, mientras establecía relaciones amistosas con la nación más grande, preservaba su propia identidad. Esta receptividad es lo que a Japón le ha permitido pasar de ser una isla que cultiva a una nación imperial usando los primeros sistemas políticos y adelantos chinos, y después las técnicas y conocimiento occidentales. Japón eventualmente sobrepasó a China y tropezó consigo misma durante la Segunda Guerra Mundial. Después de la guerra, Japón, usando esta misma perspectiva absorbió la cultura americana y la tecnología, sobrepasándola también.

La arquitectura de Kurokawa sigue la secuencia de la receptividad, pero en un punto, el intento para divergir y para encontrar su propia identidad. Al principio, el trabajo de Kurokawa siguió el movimiento moderno que fue introducido por Tange, Isozaki y sus contemporáneos. Tange demostró al mundo que Japón podía construir edificios modernos. Sus contemporáneos lo siguieron y continuaron. Entonces en un punto, en los años 60, Kurokawa y un grupo pequeño de arquitectos comenzaron una onda nueva de la arquitectura japonesa contemporánea que creía que la solución anterior y sus imitaciones no eran satisfactorias a la nueva era: la vida no estaba presente en el modernismo. Acuñaron su trabajo con la palabra “metabolismo.” El trabajo de Kurokawa llegó a ser receptivo “a su propia filosofía, el principio de la vida.” (Allí él vio arquitectura y ciudades como proceso dinámico donde las piezas necesitaron estar listas para el cambio. Él utilizó sobre todo el marco y las unidades abiertas de acero que eran prefabricados y permutables.)

Detalle

Kurokawa explica que la atención prestada para detallar el trabajo japonés deriva esencialmente de la tentativa típica de expresar individualidad y maestría. En Japón la ejecución de detalles era un proceso del trabajo, no trabajaban del conjunto a las piezas sino de las piezas al conjunto. Cada conexión de madera en una casa era hecha a mano cuidadosamente desde adentro hacia el exterior. Japón es un país que se movió desde la total desindustrialización hasta la completa industrialización en menos de 50 años durante la revolución Meiji. Este gran salto de producir mercancías de artesanía a usar la industria fue tan rápido que no permitió la desaparición de una tradición profundamente arraigada de hacer un buen arte verdadero como declaración del creador. Consecuentemente el fabricante japonés todavía lleva una preocupación cuidadosa con el detalle que se puede ver en el arte y la fabricación de la arquitectura contemporánea. La atención al detalle, una parte invisible de su tradición, formas una inequívoca estética japonesa.

Semejantemente, la arquitectura de Kurokawa tiene detalles cuidadosos de conexiones y de finales. Kurokawa dijo, “esta atención al detalle es también una llave importante para entender mi propia arquitectura. La creencia en la importancia de los detalles también sugiere una nueva jerarquía.” Kurokawa cree que mientras que la arquitectura y las ciudades occidentales se han organizado con una jerarquía de la infraestructura a las piezas y al detalle, su onda nueva de la arquitectura japonesa contemporánea se centró en la autonomía de las piezas. El metabolismo se basa en la noción de la vida y de cada aspecto intrincado y pequeño de la vida.

 

 OPINION:

Este  arquitecto asiatico nacido en tokio  me parece un creador  e innovador ya que fue el creador del movimiento metabolista un movimiento totalmente radical aparte el uso de la tecnologia para el fue de suma importancia.En conclusión como vimos anteriormente en su biografia el trabajo de Kurokawa es una tentativa de usar tecnología muy moderna para adaptarse a una sociedad siempre cambiante. Su trabajo puede por una parte nunca parecer “japonés,” pero por otra parte, después de un análisis cuidadoso, uno se dará cuenta de que la tradición japonesa fundamental está expresada en sus obras. Como él dijo, él está persiguiendo las tradiciones “invisibles” y las está practicando como orgulloso japonés.Kurokawa suele ser un personaje realmente sobrsaliente que inspira y aparte sus diseños son realmente bellos y llamativos.

ALDO ROSSI (1931-1997)

Arquitecto italiano nacido en Milán en 1931 y fallecido en su ciudad natal en 1997.

Comienzó sus estudios de arquitectura en el Politécnico de su ciudad natal en 1949, y se diplomó en 1959. Durante sus años de estudiante colaboró en la revistaCasabella Continuità en 1955, hasta su desaparición en 1964. Trabajó junto a Ignazio Gardella y Marco Zanuso en 1956.

Tras terminar sus estudios trabajó como ayudante de Ludovico Quaroni en la Escuela de Urbanismo de Arezzo, y de Carlo Aymonino en el Instituto de Arquitectura de la Universidad de Venecia. Dio clases en el Politécnico de Milán en 1965, y en el Politécnico de Zurich en 1972. Abandonó su actividad docente en Italia durante cuatro años por motivos políticos, para retomarla en 1975 en la Universidad de Venecia. Trabajó en Estados Unidos en 1976, impartiendo clases en la Universidad de Cornell, Ithaca y en la Cooper Union, Nueva York.

Aldo Rossi es uno de lo arquitectos más conocidos del momento, convirtiéndose en una de las principales figuras de la segunda mitad de siglo -tanto por sus escritos como por su arquitectura- y ganando diversos concursos como el organizado para elTeatro Carlo Felice de Génova, (1984), el concurso para La Villette-Sud, París (1987) o el concurso para el Museo de Historia Alemana de Berlín (1988), entre otros.

Su obra es conocida en todo el mundo, gracias en parte a la multitud de exposiciones -individuales o en grupo- que realiza: la titulada Diseño Arquitectónicoen Turín (1986), exposición colectiva en Londres y Nueva York (1988), o exposición retrospectiva en Amsterdam, (1991). Se convierte en el primer arquitecto italiano en exponer en Moscú en 1987.

De sus libros destacan: su primera obra l´Architettura della citta (1966), que influye notablemente en la cultura arquitectónica actual, convirtiéndose en un de las obras cruciales del panorama arquitectónico actual, Scriti scelti sull´architettura e la citta(1975), o A Scientific Autobiography (1981), en el que se entremezclan la literatura y el proyecto, la imaginación y los recuerdos.

Como reconocimiento a su gran labor como arquitecto recibió en 1991 el prestigioso Premio Pritzker, el Premio al mejor arquitecto de la ciudad de Fukuoka por su Hotel Il Palazzo, y el Premio AIA, en 1991. Gana la Medalla Thomas Jefferson de Arquitectura, en 1992.

La arquitectura de Aldo Rossi

Los años 60 y 70 en arquitectura se caracterizan por una amplia variedad de posibilidades estilísticas con la presencia, por tanto, de numerosos repertorios distintos. De todos ellos el más organizado e ilustre es sin duda el clasicismo. Muchos arquitectos aceptan esta posibilidad adapátandola a las nuevas exigencias del momento. Uno de ellos es Aldo Rossi, quien recorre la herencia del pasado, dando preferencia a los modelos compositivos de Boullé, Ledoux y Durand -teóricos neoclásicos franceses del siglo XIX- y de las escuelas vienesas de los dos primeros decenios de este siglo.

La producción de Rossi no es muy numerosa, pero toda ella responde a un riguroso y meditado proceso de realización. Entre sus obras destacan el monumento-bunker a la resistencia (1962), un edificio de viviendas en el barrio Gallaratese, Milán (1969-70), en el que evoca la tradicional casa de vecindad milanesa y que forma parte del conjunto diseñado por Aymonino, el cementerio de Módena, que comienza a proyectar tras el concurso de 1972, y donde aparecen tanto referencias clásicas como ciertas analogías con la fábrica y la granja tradicional de Lombardía, elAyuntamiento de Trieste (1973), que pretende homenajear la tradición local del XIX, y el Teatro del Mondo para la Bienal de Venecia (1979), con el que obtiene una gran notoriedad internacional.

Su arquitectura forma parte del movimiento neo-racionalista, llamado ¨Tendenza¨ en Italia, que pretende salvar la arquitectura y la ciudad del peligro de las fuerzas del consumismo megalopolitano, con una vuelta a la tradición y al pasado.

fuente http://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=rossi-aldo

OPINION:

Mellamo la atencion que es uno de los arquitectos mas reconocidos hasta el momento tanto por sus escritos como por su arquitectura . Este personaje fue el primero de su pais en exponer en Moscu, esto dio pauta a que recibiera un premio en la ciudad Fuhuoha por el hotel que diseño el II Palazzo, su arquitectura forma parte de la histora neo racionalista, La producción de Rossi no es muy numerosa, pero toda ella responde a un riguroso y meditado proceso de realización. Rossi trata de evadirse de los engaños de la modernidad apostando por las viejas tipologías y formas constitucionales de la segunda mitad del siglo XIX. Esto le da gran importancia y reelevancia a sus aportes arquitectonicos dejandolo y posicionandolo asi en un lugar muy importante en la arquitectura.

ROBERT VENTURI (1925)

 

Robert Venturi ( 25 de junio de 1925) es un arquitecto estadounidense. Ha realizado una parte importante de su obra conjuntamente con su esposa, Denise Scott Brown con quien trabaja desde 1969. Scott, sin embargo, fue excluida del premio Pritzker con el que fue galardonado en 1991. Quince años después, ambos de manera conjunta fueron distinguidos con la Medalla de Oro del AIA 2016, el premio de arquitectura más importante de EEUU.Alcanzó prestigio cuando en la década de 1960 inició la crítica a la ortodoxia del movimiento moderno, que desembocó en el postmodernismo de la década de 1970. Su causa defendía una arquitectura compleja y que aceptara sus contradicciones. Rechazó la austeridad del movimiento moderno y animó el retorno del historicismo, la decoración añadida y de un rotundo simbolismo en el diseño arquitectónico.

El arquitecto Robert Venturi, es considerado como uno de los arquitectos más críticos de finales del siglo XX, debido al característico aspecto que tienen sus edificios urbanos, los cuales recuerdan a dibujos o pinturas, por los colores, las ventanas y elementos en las fachadas.

Conocido como el padre del postmodernismo, junto a su esposa y socia, Denise Scott Brown, Venturi cambió la manera de cómo el mundo percibe la arquitectura dejando atrás al arraigo moderno «la forma sigue la función.» En su libro de 1966 «Complejidad y contradicción en la arquitectura» acuña el término de «Less is a bore» (menos es aburrido) – en contradicción a Mies van der Rohe «Less is more»- es posiblemente el más influyente de los teóricos que trabajaron para dirigir la arquitectura lejos del espíritu modernista.

Entre sus obras podemos destacar la Casa Vanna Venturi, simplemente una casa de dos aguas, donde todos los elementos apuntan a significar únicamente esto.

El Edificio Pato, o The Big Duck debe ser una de las construcciones más icónicas dentro de la teoría de la arquitectura y es la representación de como un edificio a partir de su forma es capaz de dar cuenta de su significado y de aquello que en el se realiza. Se trata de una construcción ubicada en Flanders, Long Island y que fue realizada en 1931 por el dueño de un criadero de patos, Martin Maurer, para la venta de sus patos y huevos. La forma del edificio se convierte en el genérico para señalar este tipo de construcciones, un edificio pato para la venta de patos y huevos. Ahora, Venturi, Scott Brown and Associates, se ha retirado junto a su esposa, VSBA será relanzada bajo el nuevo liderazgo del actual presidente y director Daniel K. McCoubrey, que  junto a Nancy Rogo Trainer, continuarán emprendiendo bajo el legado de estos dos valores – “trazando proyectos creativos, análisis y servicios responsables para cada cliente”. En cuanto a eso, Scott Brown continuará publicando y presentando su trabajo.

OPINION:

Este arquitecto es un sobresaliente de la arquitectura estadounidense  ganando incluso varios premios como el premio mas imporante de arquitectura en estados unidos, es muy interesante saber como es que el fue uno de iniciadores de ortodoxia al movimiento moderno, tambien es uno de los arquitectos muy criticos debido al caracteristico aspecto y diseño urbano que tienen sus edificios.Venturi cambió la manera de cómo el mundo percibe la arquitectura dejando atrás al arraigo moderno «la forma sigue la función.»es posiblemente el más influyente de los teóricos que trabajaron para dirigir la arquitectura lejos del espíritu modernista.Entre sus obras podemos destacar la Casa Vanna Venturi, simplemente una casa de dos aguas, donde todos los elementos apuntan a significar únicamente esto.El Edificio Pato, o The Big Duck debe ser una de las construcciones más representantes dentro de la arquitectura y es la representación de como un edificio a partir de su forma es capaz de dar cuenta de su significado y de aquello que en el se realiza.

DENISE SCOTT BROWN (1931)

Denise Scott Brown, (nacida Denise Lakofski) (Nkana, Zambia, 3 de octubre de 1931) es una arquitecta postmoderna, urbanista, escritora y profesora.Experta en planificación urbana y docente en universidades como Berkeley, Yale y Harvard, escribió en 1972 en colaboración con Robert Venturi y Steven Izenour Aprendiendo de Las Vegas: el simbolismo olvidado de la forma arquitectónica, uno de los libros más influyentes en arquitectura en la segunda mitad del siglo XX. Está considerada como la arquitecta más famosa de la segunda mitad del siglo XX. Se casó con Robert Venturi en 1967 y trabajaron juntos desde 1969, sin embargo en 1991 fue excluida del premio Pritzker  lo que provocó su protesta y el debate sobre las dificultades de las mujeres arquitectas para ser reconocidas en su profesión. Finalmente, se les otorgó de manera conjunta la Medalla de Oro del AIA 2016 convirtiéndose en la segunda mujer de la Historia que gana el galardón más prestigioso del mundo de la arquitectura y en la primera mujer viva que recibe este galardón.Es socia del estudio de arquitectura Venturi, Scott Brown y Asociados de Filadelfia (Estados Unidos) que, en 2012 tras la jubilación de Venturi se convirtió en VSBA Architects & Planners.

Denise completó sus estudios en planificación urbana en 1960 y empezó a trabajar en la facultad donde en una reunión de profesores conoció al joven arquitecto Robert Venturi también profesor de la facultad cuando Denise intervino en contra de la demolición de la biblioteca de la universidad diseñada por el arquitecto de Filadelfia Frank Furness. Scott y Venturi iniciaron una colaboración y compartieron clases de 1962 a 1964. En 1965 dejó la Universidad de Pensilvania. Fue nombrada codirectora del Programa de Diseño Urbano de la Universidad de California. En esos años se interesó en las ciudades de Los Ángeles y Las Vegas. En 1966 invitó a Venturi a visitar Las Vegas con ella. Se casaron en Santa Mónica (California) el 23 de julio de 1967. Denise Scott Brown no adoptó el nombre Venturi y decidió mantener su nombre de casada para no perder el trabajo que había publicado durante años con el apellido de su primer marido.

Scott Brown regresó a Filadelfia en 1967 para unirse a la empresa de Robert Venturi y se convirtió en la directora de planificación en 1969. En 1972 con Venturi y Steven Izenour escribió Aprendiendo de Las Vegas: el simbolismo olvidado de la forma arquitectónica. Con la firma Venturi, Rauch y Scott Brown en 1980; y finalmente Venturi, Scott Brown y Asociados en 1989, Scott Brown ha realizado numerosos proyectos, entre ellos el Sainsbury Wing de la National Gallery en Londres, el complejo del Consejo General en Toulouse y el Mielparque Nikko Kirfuri Hotel y Spa cerca de Nikko en Japón.

Controversias

Robert Venturi, socio y esposo de Denise Scott Brown (Roma, 2008)

A lo largo de su carrera Denise Scott ha dedicado esfuerzo y tiempo para luchar por el reconocimiento de la contribución de las mujeres a la arquitectura. Ella misma ha sido protagonista de la controversia sobre la falta de reconocimiento del trabajo que realizan.

Polémica por el premio Pritzker

A pesar de que la obra de Scott Brown es, según los expertos, de la misma calidad a la de su marido Robert Venturi, que el pensamiento sobre «la importancia de lo ordinario» que marcan sus trabajos y libros son inspiración de la arquitecta y que firman sus trabajos de manera conjunta desde hacía más de 25 años, en 1991 sólo su marido fue distinguido en solitario con el Pritzker, el premio más prestigioso en arquitectura del mundo. Como protesta Scott Brown se negó a acompañarle en la ceremonia de entrega del galardón ya que consideró que el premio hubiera debido ser compartido.En 2013 un grupo de estudiantes de Harvard inició una petición en internet para solicitar la concesión del Pritzker de manera retroactiva para Denise Scott. La petición fue firmada entre otros por el propio Robert Venturi a pesar de que en 1991 en su discurso de aceptación no reclamó compartir el premio aunque si mencionara que Denise realizaba más del 50 % del trabajo.A raíz de esta petición numerosos medios de comunicación como el New York Times se hicieron eco de la protesta, denunciaron la falta de presencia de mujeres en el jurado de los premios aportando el dato de que en 1991 tan solo había una mujer y 20 años después seguía habiendo sólo una mujer, Martha Thorne, directora ejecutiva de Pritzker y denunciaron la discriminación de las mujeres en la profesión de arquitectura. Tras varios meses de especulaciones tras la protesta, en junio de 2013 el comité del premio Pritzker se reunió y decidió no reconocer retroactivamente a Scott Brown.

OPINION:

Esta arquitecta post moderna urbanista y tambien profesora se especializo en la planificacion urbana y docente fue incluso considerada como la arquitecta mas importante de los estados unidos en la segunda mitad del siglo veinte.Esposa del arquitecto Robert Venturi.en 1967 y trabajaron juntos desde 1969, sin embargo en 1991 fue excluida del premio Pritzker  lo que provocó su protesta y el debate sobre las dificultades de las mujeres arquitectas para ser reconocidas en su profesión. Finalmente, se les otorgó de manera conjunta la Medalla de Oro del AIA 2016 convirtiéndose en la segunda mujer de la Historia que gana el galardón más prestigioso del mundo de la arquitectura y en la primera mujer viva que recibe este galardón.Algo que llama mucho mi atencion ya que es un punto a tratar muy polemico pero importante hoy en dia fue la gran lucha que dio para que las mujeres se reconocieran en el ambito arquitectonico algo que da mucho de que hablar para esta gran mujer y diseñadora.

STEVEN IZENOUR (1940-2001)

Steven Izenour (1940 en New Haven – el 21 de de agosto de 2001 en Vermont ) fue un arquitecto , urbanista y teórico. Él es mejor conocido como co-autor, junto con Robert Venturi y Denise Scott Brown de Aprendizaje de Las Vegas, una de las más influyentes teoría de la arquitectura libros del siglo XX. También fue director en el Philadelphiafirma de Venturi, Scott Brown & Associates. Nació en New Haven, Connecticut. Su padre fue el escenario del teatro y el diseñador de iluminación George Izenour . Se casó, en 1964, con Elisabeth Margit Gemmill.

Izenour estudió historia del arte en la universidad de Swarthmore y la arquitectura en la Universidad de Pensilvania , antes de pasar a obtener una Maestría en Diseño Ambiental en la Universidad de Yale en 1969. Después de completar sus estudios en Yale, y ejecutar el estudio de diseño «Learning from Las Vegas» de Bob Venturi, encontró empleo en la oficina de Charles Moore en New Haven por un año o dos. En algún momento a finales de los años 60 / principios de los 70, él (y su esposa, Elisabeth Margit Gemmill, y sus dos hijos, Ann-Kristin Izenour y Tessa) regresaron a Filadelfia para reunirse con Bob Venturi, Rauch y Scott- Marrón.«Fue un espíritu único desde el principio», dijo Scott-Brown. «El lado rebelde rebelde de nuestro trabajo le atrajo». Ella lo acredita con el apodo de «Big Tuna alrededor de la oficina.» 

Así como la enseñanza en la Universidad de Yale, Izenour también enseñó en la Universidad de Pennsylvania y la Universidad de Drexel .

Aprendiendo de Las Vegas 

Aunque todavía era un estudiante graduado en Yale, él era el TA que ayudó a Robert Venturi en 1968 para un curso de estudio y un proyecto de investigación titulado «Aprendiendo de Las Vegas o Análisis de Formas como Investigación de Diseño». Los resultados de la investigación con el tiempo se convirtió en el libro «Learning from Las Vegas», publicado por primera vez en 1972 y reeditado en una edición revisada en 1977 titulado Aprendizaje de Las Vegas. El simbolismo olvidado de la forma arquitectónica. 

Izenour acompañó a sus principales compañeros de clase, Venturi y Scott Brown, a Las Vegas en 1968 junto con nueve estudiantes de arquitectura y dos estudiantes de planificación y dos gráficos para estudiar la forma urbana de la ciudad que era considerada como una «no ciudad» Fruto de una «franja», a lo largo de la cual se colocaron estacionamientos y fachadas singulares para casinos de juego, hoteles, iglesias y bares. Venturi, Scott Brown e Izenour ya habían visitado previamente Las Vegas – lo que había llevado al artículo conjunto «Una importancia para los estacionamientos A & P, o aprender de Las Vegas» (1968). El grupo de investigación estudió varios aspectos de la ciudad, incluyendo su simbolismo, la iluminación, «libros de patrones», «estilos» e «ilusión / alusión». Su conclusión fue que en una ciudad como Las Vegas imagen tiene una importancia mucho mayor que la forma arquitectónica. Se decía que la diferencia se resumía en la diferencia entre la arquitectura como «cobertizo decorado» o «pato». La mayor parte de la arquitectura modernista intentó ser un «pato» en ser expresivo, especialmente en términos de volumen; Pero el «cobertizo decorado» no tenía tales ilusiones y confiaba en imágenes y señales. Prácticamente toda la arquitectura anterior al Movimiento Moderno utilizó esa decoración para transmitir significado, a menudo profundo, pero a veces simplemente superficial, como la señalización en los frentes de las tiendas medievales. Sólo la arquitectura modernista evitó tal adorno, confiando sólo en sus elementos corporales o estructurales para transmitir significado. Como tal, se hizo silencio y, a menudo vacío, especialmente cuando se construye para clientes corporativos o gubernamentales.

Aprendiendo de Las Vegas causó un gran revuelo en el mundo de la arquitectura partir de su publicación, ya que fue aclamado por los críticos progresistas por su acusación audaz del Modernismo, y por el status quo como una blasfemia. Una división entre los jóvenes arquitectos estadounidenses ocurrió durante los años 70, con Izenour, Venturi, Robert AM Stern, Charles Moore y Allan Greenberg defendiendo el libro como «Los Grises», y Richard Meier, Peter Eisenman, John Heyduk y Michael Graves escribiendo contra su Locales como «Los Blancos». Se llegó a ser asociado con el posmodernismo , cuando revistas como Arquitectura Progresiva publicaron artículos citando su influencia en la generación más joven. Cuando Tom Wolfe escribió su libro a menudo ridiculizado-, De la Bauhaus a nuestra casaVenturi, Scott Brown y Izenour fueron algunos de los héroes del autor reconocidos por su posición en contra de heroica Modernismo.

Blanca Torres 

En 1979, continuando sus estudios en la relación de la arquitectura y la cultura pop, Izenour junto con su compañero el arquitecto Paul Hirshorn escribió una monografía de las hamburguesas White Tower cadena de comida rápida con las fotografías seleccionadas tomadas en una variedad de estilos, desde la cruda y sin expresión a la familia Instantáneas similares a álbumes. En un ensayo introductorio, Hirshorn e Izenour describieron el estilo arquitectónico comercial identificable e idiosincrásico de los años 1930 y 1940 y documentaron el desarrollo de la arquitectura de la Torre Blanca y las variaciones estilísticas. Sus conversaciones con ex empleados de White Tower, incluyendo a Charles Johnson, arquitecto de la torre blanca de más de cuarenta años, puesto su análisis de los edificios dentro de una historia más amplia de la cultura corporativa, el marketing de masas, y el auge de las franquicias en el siglo XX. 

Aprender de los Wildwoods 

Al igual que en los estudios de Las Vegas, en la década de 1990 Izenour comenzó estudios universitarios para el estudio y conservación de la década de 1950 Doo Wop la arquitectura en Wildwood , Nueva Jersey En asociación con la Universidad de Pennsylvania, la Universidad de Yale y la Universidad Estatal de Kent , se le ocurrió la Wildwoods Reurbanización planificar, que sentó las bases para la regeneración de la playa.

 

OPINION:

Este personaje tuvo la oportunidad de tranajar en conjunto con otros arquitectos de gran talla como Robert Venturi y Denisse Scott Brown, algo que me parece realmente genial ya que este trio magnifico logro aportar mucho a la arquitectura uno de su principales acontecimeintos es el libro que publicaron Learning form las vegas , que fue realmnete polemico y que hoy en dia sigues siendolo.Se llegó a ser asociado con el posmodernismo , cuando revistas como Arquitectura Progresiva publicaron artículos citando su influencia en la generación más joven. Cuando Tom Wolfe escribió su libro a menudo ridiculizado-, De la Bauhaus a nuestra casaVenturi, Scott Brown y Izenour fueron algunos de los héroes del autor reconocidos por su posición en contra de heroica Modernismo.

CHARLES A. JENCKS (1931)

Charles Jencks (Baltimore, 1939) es un arquitecto paisajista, teórico e historiador de la arquitectura estadounidense. Sus libros sobre historia y crítica del Movimiento Moderno y Posmodernismo han sido ampliamente leídos en los círculos arquitectónicos y también fuera de ellos.

Estudió literatura inglesa en la Universidad de Harvard, posteriormente obtuvo un MA en arquitectura en la Harvard Graduate School of Design en 1965. En 1970 obtiene un PhD en historia de la arquitectura del University College de Londres.

Jencks, Proyecto de Paisajismo»Cells of Life» en Edimburgo, Escocia.

En su obra «Modern Movements in Architecture» del año 1972 emplea un modo de observación orientado por el estilo inglés de ensayo literario y por el tono provocador del pop art, cuyas observaciones y conclusiones pueden ser tan perspicaces como inconsistentes.

Si bien no creó el término «posmoderno», su libro de 1977 «El lenguaje de la arquitectura posmoderna» se considera a menudo como el que popularizó el término en relación con la arquitectura. Jencks fue uno de los primeros en transponer el concepto de la posmodernidad, procedente de la crítica literaria a la arquitectura. En el primer apartado de la obra, titulado «La muerte de la arquitectura moderna», Jencks asegura la muerte de la modernidad en la arquitectura en el año 1972, año en que se derribó el conjunto de viviendas Pruitt-Igoe de St. Louis (Missouri). Según Jencks se debió a la contradicción entre la arquitectura y los códigos arquitectónicos de los habitantes, pertenecientes a la capa baja de la sociedad.

A Jecks le importan exclusivamente las cuestiones estéticas. Emplea el concepto semiológico de «codigos» para criticar la «univalencia» y el «reduccionalismo elitista» de la arquitectura moderna y para postular una «ampliacióndel lenguaje arquitectónico en diferentes direcciones: hacia lo castizo, lo tradicional y hacia lo comercial». Critica la «forma univalente» de los edificios de Mies van der Rohe, cuya «gramática universal» significa un «desprecio universal por el lugar y la función». Del mismo modo critica la estética mecanisista de la arquitectura de los años sesenta y la creencia en un espíritu de los tiempos definido por máquinas y tecnología.

En el segundo apartado de la obra, Jencks analiza «las especies de la comunicación arquitectónica», intenta analizar la arquitectura como un sistema semántico: en primer lugaar la forma arquitectónica aparece como una metáfora. El hombre considera al edificio siempre como una metáfora, que relaciona con sus experiencias.

En el tercer apartado, Jencks trata la nueva arquitectura posmoderna; encuentra sus pioneros en los movimientos que se vienen desarollando desde los años cincuenta. Finalmente en las conclusiones, constata en la arquitectura posmoderna una tendencia «hacia lo misterioso, lo equívoco y lo sensual» donde se unen dos códigos, el popular y tradicional con el moderno, lleno de neologismos, tecnología, arte y moda.

Opinion:

Este arquitecto paisajista teorico y tambien historiador es un personaje relamente interesante ya que posee muchos conocimientos arquitectonicos, historicos y literarios. A obtenido grandes reconocimientos en cuanto a sus conocimientos por historia de la arquitectura que tiene me parece muy interesante que sea uno de los primeros en popularizar el termino post modernismo en relacion con la arquitectura.Jencks confirma la muerte de la modernidad en la arquitectura en el año 1972, año en que se derribó el conjunto de viviendas Pruitt Igoe de Sant. Louis en Missouri. Según Jencks se debió a la contradicción entre la arquitectura y los códigos arquitectónicos de los habitantes, pertenecientes a la capa baja de la sociedad.A Jecks le importan exclusivamente las cuestiones estéticas. Emplea el concepto semiológico de «codigos» para criticar la «univalencia» y el «reduccionalismo elitista» de la arquitectura moderna y para postular una «ampliacióndel lenguaje arquitectónico en diferentes direcciones: hacia lo castizo, lo tradicional y hacia lo comercial

 

REM KOOLHAS (1944)

Rem Koolhaas, AFI: [‘rɛm ‘kɔːlhas]; Remmet Koolhaas (17 de noviembre de 1944) es un arquitecto holandés. Su trabajo abandona el compromiso prescriptivo del Movimiento Moderno, anuncia la imposibilidad del arquitecto de instalar nuevos comienzos en el día a día, y practica una arquitectura que cristaliza acríticamente la realidad socio-política del momento.

Koolhaas en 1987.

Remment Lucas Koolhaas nació en Róterdam y vivió durante cuatro años de su adolescencia en Indonesia. Terminados sus estudios escolares, hijo de un escritor y nieto de un arquitecto, absorbe ambas profesiones para desarrollarlas a lo largo de su vida. Se dedicó inicialmente al periodismo, trabajando en un rotativo de La Haya. Posteriormente estudió arquitectura en la Architectural Association de Londres.

Una vez regresado a los Países Bajos, Koolhaas estableció en 1975 su despacho de arquitectura junto con tres socios (entre ellos, Madelon Vriesendorp, su esposa), al que le dio el nombre de Office for Metropolitan Architecture (OMA). Recientemente OMA segregó una parte de sus labores en una segunda oficina AMO.

Obras

Casa da Música (Oporto, Portugal)

McCormick Tribune (Chicago, EEUU)

Biblioteca Central de Seattle (Seattle, EEUU)

Sede de la Televisión Central de China(Pekín)

Koolhaas es un arquitecto que proyecta edificios de clara consistencia física, en los que la masa adquiere un carácter predominante.

En 2000 Koolhaas recibió el premio Pritzker, el galardón internacional más importante de arquitectura.

Actualmente el estudio OMA emplea a 100 arquitectos y diseñadores, que trabajan en numerosos proyectos en todo el mundo. El más importante que se ha desarrollado recientemente es la nueva sede de la televisión china junto a un centro cultural, que suman en total 550.000 metros cuadrados, y que se ha construido coincidiendo con los Juegos Olímpicos de Pekín 2008.

Koolhaas es también un teórico de la arquitectura y ha publicado varios libros. Entre los más importantes se encuentran: «S, M, L, XL», «Mutaciones», «Content» y «Delirious New York: A Retroactive Manifesto for Manhattan».

Otra de las facetas de Koolhaas y de las que quizás sea más importante es su labor como urbanista, entre los que predomina su especial predilección por el uso de la congestión en sus obras, como en los proyectos para Lille o paraMelun Senart, y su gusto hoy día por las ciudades asiáticas.

Ha impartido clases en varias escuelas y universidades. Desde 2000 es profesor invitado en la Universidad Harvard, probablemente sea en estos momentos el arquitecto más influyente y contundente del panorama internacional.

Obras representativas

• 1988 – Edificio Grand Palais (Lille, Francia) (puede verse en la Wikipedia en francés en: Lille Grand Palais);
• Plan maestro de desarrollo urbanístico (Lille, Francia);
• Centro Euralille (Lille, Francia);
• 1988 – Teatro de la Danza de Holanda (La Haya, Holanda) (puede verse en la Wikipedia en inglés en: Netherlands Dance Theater;
• 1991 – Villa Dall’Ava (Saint-Cloud, París) (puede verse en: Villa dall’Ava);
• 1991 – Viviendas Nexus (Fukuoka, Japón);
• 1993 – Museo de Arte Kunsthal (Rotterdam);
• 1993-97 – Edificio multifuncional Educatorium, Universidad de Ultrecht (Ultrecht, Holanda);
• 1997-2003 – McCormick Tribune Campus Center (IIT , Chicago, EEUU) (puede verse en la Wikipedia en inglés en:en:McCormick Tribune Campus Center;
• 1998 – Casa unifamiliar en Burdeos (Burdeos, Francia) (puede verse en: Maison à Bordeaux);
• 1999 – Second Stage Theatre (Nueva York);
• 2001-02 – Museo Guggenheim de Las Vegas (Las Vegas, EE.UU.);
• 2001-05 – Casa da Música (Oporto, Portugal);
• 2004–09 – Sede de la Televisión Central de China (Pekín, China) (Edificio CCTV);
• 2003 – Embajada de los Países Bajos en Berlín (Berlín, Alemania) (puede verse en la Wikipedia en inglés en: en: Netherlands Embassy Berlin)
• 2003-05 – Museo de Arte de la Universidad Nacional de Seúl (Seoul) (puede verse en la Wikipedia en inglés en:Seoul National University Museum of Art);
• 2004-09 – Teatro Dee y Charles Wyly (Dallas, Texas) (puede verse en la Wikipedia en inglés en: en:Dee and Charles Wyly Theatre)
• 2004 – Biblioteca Central de Seattle (Seattle);
• 2006 – Pabellón de la Serpentine Gallery (Londres);
• 2006 – Shenzhen Stock Exchange (Shenzhen, China);
• 2006-09 – Milstein Hall, (Cornell)
• 2007 – Proyecto Torre Bicentenario (México, D.F). Cancelado
• Centro de Congresos de Córdoba (Palacio del Sur) (Córdoba, España). Cancelado;
• 2008–10 – Edificio del 23 East 22^nd Street (Nueva York)
• 2008–10 – Bryghusprojektet, (Copenhague)
• 2009 – Riga Port City (Riga);
• 2009-13 – De Rotterdam, (Róterdam);
• 2010 – New Court, St. Swithin’s Lane (Londres).
• Diseño de las tiendas de Prada para todo el mundo (Nueva York: 2003, Los Ángeles: 2004

OPINION:

Este arquitecto holandes es una persona realmente conocida muchos de sus proyectos resultan ser extremadamente sorprendentes pertenecen a una qrquitectura que se enfoca y se basa en la realidad socio politica del momento, sus edificios estan llenos de formas, tanto geometricas como formas realmente complejas y radicales, pero llenas de una belleza realmente exponencial y sobresaliente, Rem Koolhas es hoy en dia un arquitecto de fama muy reconocida y que inspira a muchos estudiantes u otros arquitectos compartindonos sus diseños llenos de magestuosidad y belleza con una peculiaridad que asombra.Otra de las facetas de Koolhaas y de las que quizás sea más importante es su labor como urbanista, entre los que predomina su especial predilección por el uso de la congestión en sus obras, como en los proyectos para Lille o paraMelun Senart, y su gusto hoy día por las ciudades asiáticas.